这版西游有点“皮” 丨歌剧《三打白骨精》的“喜感”密码

北京日报客户端1小时前

7月17日至26日，国家大剧院原创喜歌剧《三打白骨精》即将在国家大剧院、北京艺术中心上演。《三打白骨精》是国家大剧院推出的第一部中国原创喜歌剧作品，也是作曲家郝维亚的第一次喜歌剧尝试。本期微信，看看郝维亚把这部剧的音乐密码一一拆解。

说到《西游记》，我印象最深的就是六小龄童的电视剧，几代人的共同记忆。电视剧就是很有喜感的，让人很放松。咱们的歌剧也选择了喜歌剧的形式，歌剧可以怎么“喜”？

郝维亚：

喜歌剧是欧洲17、18世纪诞生的一种歌剧体裁，主要也就集中在那个时代，以莫扎特、罗西尼等几个作曲家的作品为代表。但从19世纪威尔第、瓦格纳之后，喜歌剧就越来越少了。中国也有喜歌剧作品，比如上世纪50年代的《小二黑结婚》，但从那以后就很少见了。为什么少有人写喜歌剧？因为难，创作难，表演也难。音乐不像相声小品那样能让观众哈哈大笑，乐到不行。

我希望能把喜歌剧的传统延续下来，并且拓展喜歌剧的表达。创作《三打白骨精》时，我追求的是让观众“会心的微笑”——观众微笑着听完，整个观剧过程很轻松，同时，有一些现实的影射，能带来一点思考，就够了。

赖嘉静指挥形容这部剧的音乐是“上天入地”，您用了怎样的配置去实现丰富的色彩？

郝维亚：

《三打白骨精》的脉络里有几个关键词：中国新歌剧、喜歌剧、室内乐歌剧。一般的歌剧演出要六七十人的管弦乐队、五六十人的合唱队，但这部剧中我用了32人的室内乐队，也没有用合唱队，让一些小妖角色兼唱合唱。室内乐更能突出每种乐器的个性，船小好调头，它也更灵活轻巧。相比较而言，重大历史题材需要音乐有更大的张力，但喜歌剧需要灵活灵巧。

在这部剧中，我加入了民族乐器古筝、笙、竹笛，还有各种打击乐器和色彩性乐器，比如拇指琴、鸟哨，演奏出很多“不正经”的声音。为什么？西游的路上全是妖魔鬼怪，需要这些奇奇怪怪的声音。

为什么选用了古筝、笙、竹笛这三种民族乐器？尤其是笙，它融到交响乐队中使用的情况不多。

郝维亚：

首先，这几样民族乐器是不用加麦克风就能听到，不像二胡，容易被管弦乐淹掉。其次，我给每件民族乐器都赋予了自己的角色定位。古筝大多是伴着白骨精出现的，用了很多现代演奏技法，比如在左边按弦区刮弦，声音很诡异，铺垫了妖的形象。代表正义的音色是竹笛，明亮悠扬。笙主要是用来烘托如来的，笙吹出的长音就像天空中的云彩、微风，很缥缈的感觉。

西洋交响乐队强调的是“统一”，比如小提琴、中提琴、大提琴，几种弦乐的演奏方式都很相似，从统一里找变化。但民乐不一样，每件乐器出来都个性很鲜明。民乐的气息和音色充分具有“人味儿”，你让他统一很难；但从个性里找统一，也很有意思。

白骨精的旋律风格很有特点，您是怎么设计的？

郝维亚：

《西游记》讲述的是向善、百折不挠的故事，任何历史书写都是为了让当下的人产生共鸣。我们重新梳理了白骨精的人物逻辑，不局限于表达这个反派角色的恶，而是希望把她塑造得更立体，而丰富。我们的剧本中，是如来派遣白骨精去考验唐僧师徒。其实，整个西游记就是一个打怪闯关、克服困难的过程，当我们克服了一个困难的时候，会发现那些困难其实也是人生中的财富。从辩证的角度看，所谓的反派，也给我们提供了成长和前进的动力。

音乐上，我把角色分成“天、地、人”三个维度。如来代表“天”，音乐形象空灵、圣洁；唐僧师徒四人代表“人”，完全是中式旋律，打打闹闹很亲切；白骨精代表“地”，我在白骨精的旋律中加入了一点印度风格，为了让她一出场就有辨识度，妖艳且有点古怪。同时，白骨精一人分饰四角，要求演员用不同的音色和形体去塑造人物，这是一大难点，也是一大看点。

《三打白骨精》中有一些打斗场面，在歌剧中怎么表现?

郝维亚：

我在音乐中运用了许多戏曲元素，有用到京剧打击乐去烘托激烈的打斗场景，还加入了武生演员。歌剧演员没有戏曲演员的身段基础，他们的唱也需要气息稳定，所以我们不会让歌剧演员演打戏，我们还在舞台上用多媒体投放皮影戏，来补全打斗场景。

我很喜欢全剧开头的那个主题，很有行进感。伴着这个主题，师徒四人排成一排上场。剧终这个主题再次响起，他们又排成一排走出舞台。很像电视剧，每集的片尾曲一响起，就是他们再次踏上旅程的画面。